Die gesellschaftliche Relevanz Ihres Projekts: Die strategische Begründung für Bundesmittel

Die Nachricht trifft viele Kulturschaffende wie ein Schlag: „Antrag abgelehnt.“ Trotz eines innovativen Konzepts, renommierter Künstler und eines detaillierten Finanzplans fehlt die überzeugende Begründung für die Förderung aus öffentlichen Mitteln. Viele versuchen es dann mit noch eindrucksvolleren Beschreibungen des künstlerischen Anspruchs oder dem Verweis auf potenzielle Besucherrekorde. Doch das eigentliche Problem liegt oft tiefer und ist strategischer Natur.

In einer Zeit, in der öffentliche Haushalte unter Druck stehen und die Legitimität von Kulturausgaben zunehmend hinterfragt wird, reicht der Verweis auf den Wert der Kunst an sich nicht mehr aus. Fördergremien, von der Kulturstiftung des Bundes bis zu kleineren kommunalen Töpfen, agieren in einem politischen Umfeld. Sie müssen ihre Entscheidungen gegenüber der Politik und einer kritischen Öffentlichkeit rechtfertigen. Deshalb suchen sie nicht nur nach exzellenter Kunst, sondern nach Projekten, die einen messbaren und relevanten Beitrag für die Gesellschaft leisten.

Doch was, wenn der Schlüssel zur erfolgreichen Förderung nicht darin liegt, die Kunst besser zu beschreiben, sondern ihre gesellschaftliche Funktion strategisch neu zu rahmen? Dieser Beitrag verlässt die Pfade klassischer Antragslyrik und führt Sie in die Logik politischer Entscheidungsträger ein. Wir betrachten die gesellschaftliche Relevanz nicht als Schlagwort, sondern als strategisches Werkzeug. Sie lernen, den „Impact“ Ihres Projekts überzeugend nachzuweisen, souverän auf politische Einwände zu reagieren und Ihren Antrag so zu gestalten, dass er nicht nur künstlerisch, sondern vor allem politisch-strategisch überzeugt.

Dieser Leitfaden bietet Ihnen eine präzise Analyse der entscheidenden Faktoren, die über Zustimmung oder Ablehnung Ihres Antrags entscheiden. Wir werden die Schlüsselfragen von der Wirkungslogik bis zur Risikobewertung durchleuchten, um Ihnen die Werkzeuge für einen wasserdichten und überzeugenden Antrag an die Hand zu geben.

Warum reichen Besucherzahlen allein nicht mehr als Erfolgsnachweis für Förderer?

Für lange Zeit galten hohe Besucherzahlen als Goldstandard des kulturellen Erfolgs. Sie waren einfach zu erheben und schienen eine direkte Bestätigung für die Relevanz eines Angebots zu sein. Doch dieser Ansatz greift für öffentliche Förderer zu kurz. Er misst den Output (Anzahl der Besucher), sagt aber nichts über das Outcome (was hat sich bei den Besuchern verändert?) oder den Impact (welchen gesamtgesellschaftlichen Beitrag leistet das Projekt?) aus. Ein ausverkauftes Haus garantiert noch keinen gesellschaftlichen Mehrwert; es kann auch bedeuten, dass das Programm lediglich eine bereits kultur-affine Blase bedient.

Moderne Förderlogiken verlangen nach einer tiefergehenden Wirkungslogik. Sie wollen verstehen, welche Kausalkette von der geplanten Massnahme bis zur angestrebten gesellschaftlichen Veränderung führt. Der Trend zur systematischen Wirkungsmessung ist bereits etabliert: Laut dem Deutschen Social Entrepreneurship Monitor 2024 messen bereits 62 % der deutschen Social Enterprises ihre soziale oder ökologische Wirkung systematisch. Der Kultursektor zieht hier nach und muss beweisen, dass er öffentliche Gelder nicht nur für den Betrieb, sondern für gezielte gesellschaftliche Ziele einsetzt.

Ein überzeugender Antrag verlagert den Fokus daher von reinen Kennzahlen auf eine narrative Begründung der Wirkung. Statt zu sagen „Wir erwarten 10.000 Besucher“, argumentieren Sie: „Durch interaktive Workshops für 500 Schüler aus benachteiligten Stadtteilen stärken wir deren Medienkompetenz und fördern den sozialen Zusammenhalt, was wir durch qualitative Interviews und Feedbackschleifen evaluieren werden.“ Dies zeigt, dass Sie nicht nur Aktivitäten planen, sondern eine Vision für deren gesellschaftliche Konsequenzen haben.

Der Nachweis von Wirkung ist somit kein bürokratisches Übel, sondern die zentrale strategische Aufgabe, um die Legitimität und Notwendigkeit Ihres Projekts im Wettbewerb um knappe öffentliche Mittel zu untermauern.

Wie reagieren Sie souverän auf politische Kritik an Ihrem Ausstellungsprogramm?

Kultur, die relevant ist, ist selten bequem. Sie provoziert, stellt Fragen und löst Debatten aus – und zieht damit unweigerlich politische Kritik auf sich. Ob von Parteien, Interessengruppen oder aus der Zivilgesellschaft: Die Fähigkeit, auf diese Kritik souverän und strategisch zu reagieren, ist entscheidend für die Verteidigungsfähigkeit und langfristige Stabilität Ihrer Institution. Ein rein reaktiver oder defensiver Umgang wirkt oft schwach und kann die Kritik sogar befeuern. Souveränität beginnt hingegen mit proaktiver Vorbereitung und einem klaren Kommunikationskonzept.

Erstens: Antizipieren Sie potenzielle Kritikpunkte bereits in der Konzeptionsphase. Welche Aspekte Ihres Programms könnten als kontrovers wahrgenommen werden? Bereiten Sie für diese Punkte eine klare, auf Fakten basierende Argumentationslinie vor. Diese sollte nicht nur die künstlerische Freiheit betonen, sondern auch den gesellschaftlichen Mehrwert der Auseinandersetzung begründen. Warum ist es wichtig, genau dieses Thema jetzt zu diskutieren?

Zweitens: Suchen Sie den Dialog, bevor die Konfrontation Sie sucht. Identifizieren Sie wichtige Stakeholder – von Lokalpolitikern bis zu Community-Vertretern – und laden Sie sie zu Hintergrundgesprächen oder Vorabbesichtigungen ein. Dies schafft Verständnis, baut persönliche Beziehungen auf und nimmt Kritikern den Wind aus den Segeln, die behaupten, Sie würden im „Elfenbeinturm“ agieren. Es demonstriert Offenheit und die Bereitschaft zur Auseinandersetzung.

Drittens: Wenn die öffentliche Kritik da ist, reagieren Sie schnell, aber nicht überhastet. Ein vorbereitetes Statement, das die künstlerische Intention erklärt und das Projekt in einen grösseren gesellschaftlichen Kontext einbettet, ist essenziell. Bieten Sie öffentliche Diskussionsformate an. Ein solcher offener Dialog, wie im Bild dargestellt, verwandelt Ihre Institution vom kritisierten Objekt zum souveränen Moderator einer wichtigen gesellschaftlichen Debatte. Sie zeigen damit, dass Ihr Haus seine Rolle als Ort des öffentlichen Diskurses ernst nimmt.

Letztlich stärkt ein professioneller Umgang mit Kritik nicht nur Ihre Position im aktuellen Fall, sondern auch Ihre Glaubwürdigkeit bei zukünftigen Förderanträgen. Er beweist, dass Sie in der Lage sind, auch in politisch turbulenten Gewässern Kurs zu halten.

Quote oder Qualifikation: Wie besetzen Sie Jurys wirklich repräsentativ?

Die Besetzung von Jurys und Gremien ist ein hochsensibler Prozess geworden. Der öffentliche Druck nach mehr Diversität führt oft zu einer verkürzten Debatte, die „Quote“ gegen „Qualifikation“ ausspielt. Diese Gegenüberstellung ist jedoch ein Trugschluss. Eine wirklich repräsentative Jury ist nicht das Ergebnis von arithmetischen Quoten, sondern von einem erweiterten, mehrdimensionalen Verständnis von Qualifikation. Die strategische Herausforderung besteht darin, proaktive Transparenz über die Auswahlkriterien zu schaffen und damit die Legitimität des Gremiums zu stärken.

Qualifikation ist mehr als nur ein akademischer Grad oder eine beeindruckende Publikationsliste. Sie umfasst auch Perspektivenvielfalt, gelebte Erfahrungen und den Zugang zu unterschiedlichen Netzwerken. Eine Jury, die ausschliesslich aus etablierten, männlichen, westdeutschen Akademikern besteht, mag formal hochqualifiziert sein, leidet aber an einem blinden Fleck. Sie kann die Qualität oder Relevanz von Projekten, die ausserhalb ihres eigenen Erfahrungshorizonts liegen, möglicherweise gar nicht erkennen. Hier geht es nicht um politische Korrektheit, sondern um die Qualitätssicherung des Auswahlprozesses.

Ein strategischer Ansatz zur Jurybesetzung definiert Qualifikation daher breiter und berücksichtigt bewusst verschiedene Dimensionen der Vielfalt. Dies dient nicht nur der externen Legitimation, sondern verbessert nachweislich die Entscheidungsfindung. Ein Gremium, das unterschiedliche Perspektiven vereint, ist besser in der Lage, unbewusste Vorurteile (unconscious bias) zu erkennen und eine ausgewogenere, fundiertere Entscheidung zu treffen. Der Schlüssel liegt in der Veröffentlichung eines klaren Kriterienkatalogs vor der Besetzung, um den Prozess nachvollziehbar zu machen und dem Vorwurf der reinen „Quotenerfüllung“ zuvorzukommen.

Die folgenden Kriterien bieten einen Rahmen, um über traditionelle Qualifikationsmerkmale hinauszugehen und eine perspektivisch reiche Jury zusammenzustellen:

• Demografische Merkmale: Geschlecht und kulturelle Herkunft als Basiskriterien dokumentieren und auf eine ausgewogene Repräsentation achten.
• Sozioökonomischer Hintergrund: Bewusst Personen mit unterschiedlichen sozialen Hintergründen einbeziehen, um eine Elitenbildung zu vermeiden.
• Geografische Herkunft: Ein Gleichgewicht zwischen urbanen Zentren und ländlichen Räumen sicherstellen, um regionale Vielfalt abzubilden.
• Fachliche Diversität: Nicht nur Experten aus der gleichen Disziplin, sondern auch aus angrenzenden Feldern (z. B. Soziologie, Stadtplanung, Digitales) hinzuziehen.
• Altersdiversität: Verschiedene Generationen einbinden, um unterschiedliche Lebenswelten und ästhetische Präferenzen zu repräsentieren.

Indem Sie diesen erweiterten Qualifikationsbegriff anwenden und Ihre Kriterien transparent machen, wandeln Sie eine potenzielle Schwachstelle in einen Beleg für Ihre professionelle und reflektierte Arbeitsweise um.

Genehmigungsverfahren für politische Kunstaktionen: Welche Ordnungsämter müssen zustimmen?

Kunst im öffentlichen Raum, insbesondere wenn sie politisch ist, verlässt den geschützten Rahmen des Museums und tritt in die komplexe Welt des öffentlichen Rechts ein. Eine provokante Installation oder eine unangemeldete Performance kann schnell zu Bussgeldern, Abbauverfügungen und negativer Presse führen. Die strategische Planung solcher Aktionen erfordert daher nicht nur künstlerische Vision, sondern auch eine präzise Kenntnis der zuständigen Behörden und Genehmigungsverfahren in Deutschland. Unwissenheit schützt hier nicht vor den Konsequenzen.

Die grundlegende Spannung zwischen der verfassungsrechtlich garantierten Kunstfreiheit (Art. 5 Abs. 3 GG) und dem staatlichen Ordnungs- und Sicherheitsauftrag wird hier konkret. Während die Kunstfreiheit einen weiten Schutzraum bietet, ist sie nicht grenzenlos. Sie kollidiert mit anderen Rechtsgütern wie der öffentlichen Sicherheit, dem Denkmalschutz oder dem Immissionsschutzrecht. Wie Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier in seiner Rede zur documenta fifteen betonte, ist dieser Rahmen weit gesteckt:

„Die Freiheit der Meinung und die Freiheit der Kunst sind Wesenskern unserer Verfassung. Kritik an israelischer Politik ist erlaubt.“

Doch wie dieser Wesenskern im Detail ausgelegt wird, entscheiden oft die lokalen Behörden.

Die Zuständigkeit hängt massgeblich von der Art und dem Ort der Aktion ab. Ein häufiger Fehler ist die Annahme, das Ordnungsamt sei der einzige Ansprechpartner. Je nach Vorhaben kann eine ganze Kette von Ämtern involviert sein, deren Zustimmung erforderlich ist. Eine frühzeitige, oft informelle Anfrage bei der zentralen Anlaufstelle Ihrer Kommune (meist das Ordnungs- oder Kulturamt) kann den Weg zu den richtigen Stellen weisen und böse Überraschungen vermeiden. Eine sorgfältige Dokumentation der Kommunikation ist dabei unerlässlich.

Die folgende Übersicht, basierend auf den Anforderungen für Genehmigungen im öffentlichen Raum, wie sie beispielsweise von der Stadt Berlin beschrieben werden, zeigt die Komplexität und die Notwendigkeit einer genauen Analyse, wie sie auch eine Analyse der Dienstleistungen für Sondernutzungen nahelegt.

Ein genehmigtes Projekt kann seine politische Sprengkraft oft sogar wirkungsvoller entfalten als eine Aktion im Graubereich der Illegalität, da die Auseinandersetzung auf der inhaltlichen Ebene stattfinden kann und nicht auf der formaljuristischen.

Das Risiko der Instrumentalisierung bei Kooperationen mit politischen NGOs

Kooperationen zwischen Kultureinrichtungen und Nichtregierungsorganisationen (NGOs) scheinen auf den ersten Blick eine Win-Win-Situation zu sein: Die Kulturinstitution gewinnt an gesellschaftlicher Relevanz und erreicht neue Zielgruppen, während die NGO ihre Anliegen auf einer kreativen und öffentlichkeitswirksamen Bühne platzieren kann. Doch diese Partnerschaften bergen ein erhebliches strategisches Risiko: die Instrumentalisierung der Kunst für partikulare politische Ziele. Die Wahrung der künstlerischen Autonomie und der institutionellen Glaubwürdigkeit muss daher oberste Priorität haben.

Das Kernproblem liegt in den potenziell unterschiedlichen Agenden. Während eine Kultureinrichtung dem Ideal des offenen Diskurses und der Mehrdeutigkeit verpflichtet ist, verfolgen viele NGOs eine klare, oft aktivistische und polarisierende politische Mission. Wenn die Kunst nur noch als Mittel zum Zweck dient, um die Botschaft der NGO zu transportieren, verliert sie ihre kritische und reflexive Kraft. Die Kultureinrichtung läuft Gefahr, als blosser Dienstleister für eine politische Kampagne wahrgenommen zu werden, was ihre überparteiliche Glaubwürdigkeit bei Förderern und einem breiten Publikum untergräbt.

Ein weiteres Risiko ist der „Spill-over-Effekt“. Radikalisiert sich die NGO, gerät sie in öffentliche Skandale oder vertritt sie Positionen, die nicht mehr mit den Grundwerten der Kultureinrichtung vereinbar sind, fällt dies unweigerlich auf die Institution zurück. Die sorgfältige Due Diligence des potenziellen Partners ist daher unerlässlich. Dazu gehört nicht nur die Prüfung der Satzung und der offiziellen Ziele, sondern auch eine Analyse ihrer bisherigen Kampagnen, ihres Kommunikationsstils und ihrer wichtigsten Geldgeber. Passt die Arbeitsweise und die Kultur der NGO wirklich zu Ihrer Institution?

Um die Risiken zu minimieren, sind klare vertragliche Regelungen unumgänglich. Ein Memorandum of Understanding (MoU) oder ein Kooperationsvertrag sollte die Rollen, Verantwortlichkeiten und vor allem die roten Linien klar definieren. Wichtige Punkte sind:

• Wahrung der kuratorischen Hoheit: Die finale Entscheidung über Inhalte und Form des künstlerischen Programms muss bei der Kultureinrichtung liegen.
• Transparenz der Partnerschaft: Die Kooperation und die jeweiligen Rollen müssen gegenüber der Öffentlichkeit klar kommuniziert werden.
• Exit-Klauseln: Der Vertrag sollte Regelungen enthalten, die eine Beendigung der Zusammenarbeit ermöglichen, falls die NGO gegen vereinbarte Prinzipien verstösst.

Eine gelungene Kooperation stärkt die gesellschaftliche Verankerung, eine unreflektierte Partnerschaft hingegen kann die mühsam aufgebaute Reputation und damit die Förderfähigkeit nachhaltig beschädigen.

Wie formulieren Sie das „öffentliche Interesse“ in Ihrem Antrag überzeugend?

Der Begriff „öffentliches Interesse“ ist das Nadelöhr jedes Förderantrags für Bundesmittel. Er klingt vage und doch ist seine überzeugende Formulierung der entscheidende Hebel, um aus einem guten künstlerischen Projekt ein förderwürdiges gesellschaftliches Anliegen zu machen. Der häufigste Fehler ist die Annahme, das öffentliche Interesse ergebe sich automatisch aus der hohen Qualität der Kunst. Strategisch klüger ist es, das öffentliche Interesse als eine explizite Anknüpfung an die von der Politik selbst definierten Ziele und Herausforderungen zu formulieren.

Analysieren Sie dafür die aktuellen politischen Agenden auf Bundes-, Landes- und Kommunalebene. Welche Themen dominieren die Debatten? Geht es um sozialen Zusammenhalt, demokratische Resilienz, ökologische Transformation, digitale Bildung oder die Integration von Geflüchteten? Ihr Antrag gewinnt an strategischer Resonanz, wenn Sie Ihr Projekt nicht als isoliertes Kunstvorhaben präsentieren, sondern als einen konstruktiven Beitrag zur Lösung einer dieser Herausforderungen. Formulieren Sie eine klare Hypothese: „Unser Theaterprojekt, das die Lebenswelten von Ost- und Westdeutschen konfrontiert, leistet einen Beitrag zur Stärkung des gesellschaftlichen Zusammenhalts, einem erklärten Ziel der Bundesregierung.“

Diese argumentative Brücke muss sorgfältig gebaut werden. Es reicht nicht, politische Schlagworte zu verwenden. Sie müssen die Verbindung konkret und plausibel machen. Zeigen Sie auf, welche spezifischen Aktivitäten (Workshops, Publikumsgespräche, digitale Formate) wie auf das politische Ziel einzahlen. Die Summen, um die es geht, sind beträchtlich und rechtfertigen diesen strategischen Aufwand. Allein die Kulturstiftung des Bundes stellt jährlich bis zu 10 Millionen Euro für innovative Projekte im internationalen Kontext bereit, die eine hohe gesellschaftliche Relevanz aufweisen.

Ihr Antrag wird so zu einem narrativen Werkzeug. Er erzählt die Geschichte, wie öffentliche Mittel durch Ihr Projekt eine maximale gesellschaftliche Rendite erzielen. Die detaillierte Planung und strategische Ausrichtung, wie sie im Bild angedeutet wird, ist dabei kein Selbstzweck. Sie ist der sichtbare Beweis für Ihre Professionalität und Ihr Verständnis für die Verantwortung, die mit der Verwendung von Steuergeldern einhergeht. Sie signalisieren dem Förderer: Wir verstehen Ihre Ziele und wir sind ein verlässlicher Partner, um sie zu erreichen.

Am Ende überzeugen nicht die, die am lautesten nach Geld rufen, sondern die, die am klarsten darlegen können, welchen Wert sie im Gegenzug für die Gesellschaft schaffen.

Wann sind Triggerwarnungen im Theater Fürsorge und wann künstlerische Zensur?

Die Debatte um Triggerwarnungen ist zu einem kulturellen Minenfeld geworden. Auf der einen Seite steht der Anspruch der Fürsorge (Care): Das Publikum soll vor potenziell retraumatisierenden Inhalten geschützt werden. Auf der anderen Seite steht die Sorge vor einer neuen Form der Selbstzensur, die die künstlerische Freiheit aushöhlt und das Publikum vor jeder Herausforderung bewahren will. Für Kulturinstitutionen ist die Navigation in diesem Spannungsfeld eine heikle diplomatische Aufgabe, die eine klare Haltung und eine differenzierte Kommunikationsstrategie erfordert.

Eine pauschale Ablehnung oder Befürwortung von Triggerwarnungen greift zu kurz. Die entscheidende Frage ist nicht ob, sondern wie sie eingesetzt werden. Werden sie als Bevormundung formuliert („Achtung, dies könnte Sie verletzen!“), können sie tatsächlich eine defensive Haltung beim Publikum erzeugen und den künstlerischen Diskurs von vornherein abwürgen. Sie reduzieren ein komplexes Werk auf seine potenziell problematischsten Teile. Dies widerspricht dem Wesenskern der Kunst, der oft gerade in der Konfrontation mit dem Unbequemen liegt.

Wie Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier in seiner Rede zur documenta fifteen 2022 betonte, ist diese Konfrontation ein verfassungsrechtlich geschütztes Gut:

„Kunst darf anstössig sein, sie soll Debatten auslösen. Mehr noch: Die Freiheit der Meinung und die Freiheit der Kunst sind Wesenskern unserer Verfassung.“

Eine strategisch kluge Herangehensweise schützt diesen Wesenskern, indem sie Warnungen in Einladungen umformuliert. Statt einer „Warnung“ spricht man von einem „inhaltlichen Hinweis“.

Ein solcher Hinweis bevormundet nicht, sondern ermöglicht eine informierte Entscheidung. Er lautet nicht „Sehen Sie sich das nicht an, wenn…“, sondern „Dieses Stück setzt sich explizit mit Themen wie sexualisierter Gewalt oder Rassismus auseinander. Wir laden Sie ein, sich dieser Auseinandersetzung zu stellen und bieten im Anschluss ein Publikumsgespräch an.“ Dieser Ansatz respektiert sowohl die Autonomie des Publikums als auch die Integrität des Kunstwerks. Er verwandelt einen potenziellen Konflikt in ein Angebot zum Dialog und stärkt die Rolle der Institution als verantwortungsbewusster, aber mutiger Ort der Debatte. So wird Fürsorge nicht zum Gegensatz von Freiheit, sondern zu ihrer ermöglichenden Bedingung.

Letztlich zeigt eine Institution, die ihr Publikum ernst nimmt, indem sie ihm zumutet, sich mit schwierigen Themen auseinanderzusetzen, mehr Respekt als eine, die es präventiv in Watte packt.

Wie beantragen Sie erfolgreich Projektmittel beim Kulturfonds ohne bürokratische Ablehnung?

Nachdem wir die strategischen Grundlagen – von der Wirkungslogik bis zum öffentlichen Interesse – beleuchtet haben, mündet alles in den finalen, entscheidenden Akt: die Erstellung des Antragsdokuments. Ein erfolgreicher Antrag ist die Synthese aus künstlerischer Vision und bürokratischer Präzision. Eine brillante Idee kann an einem formalen Fehler scheitern, während ein formal perfekter Antrag ohne überzeugende Relevanz ebenfalls keine Chance hat. Der Erfolg liegt in der meisterhaften Verbindung beider Welten.

Betrachten Sie den Antrag nicht als lästige Pflicht, sondern als das wichtigste narrative Werkzeug Ihres Projekts. Jede Zeile, von der Projektbeschreibung bis zum Kostenplan, ist Teil einer einzigen, kohärenten Argumentation. Der Finanzplan ist beispielsweise keine reine Zahlenkolonne, sondern die finanzielle Übersetzung Ihrer Wirkungslogik. Jede Position muss plausibel begründen, wie sie zur Erreichung der beschriebenen Ziele beiträgt. Warum wird ein teurer Lichtdesigner benötigt? Weil seine Arbeit die immersive Erfahrung schafft, die für das emotionale Outcome bei der Zielgruppe entscheidend ist.

Ein weiterer kritischer Punkt ist die akribische Einhaltung der formalen Vorgaben des jeweiligen Förderprogramms. Lesen Sie die Förderrichtlinien mehrfach und markieren Sie alle Muss-Kriterien, Fristen und erforderlichen Anlagen. Viele Anträge scheitern bereits an formalen Hürden wie einer fehlenden Unterschrift, einem falschen Dateiformat oder der Nichteinhaltung der geforderten Eigenbeteiligung. Diese Fehler sind ärgerlich, weil sie vermeidbar sind und ein schlechtes Licht auf die Professionalität des Antragstellers werfen. Sie signalisieren dem Förderer: Wer schon bei den Formalia unzuverlässig ist, wie soll der ein komplexes Projekt managen?

Die folgende Checkliste fasst die wesentlichen operativen Schritte zusammen, um die häufigsten Ablehnungsgründe von vornherein auszuschliessen und Ihren Antrag auf Erfolgskurs zu bringen.

Um diese Ratschläge in die Tat umzusetzen, besteht der nächste logische Schritt darin, Ihren Projektentwurf einer strategischen Neubewertung anhand der hier vorgestellten Kriterien zu unterziehen. Ein überzeugender Antrag ist kein Zufallsprodukt, sondern das Ergebnis harter, strategischer Arbeit.